Bu yazıdan önce sadece seyahat üzerine yazmıştım ama bugün geleneği bozup bir fotoğraf dergisi için yazdığım manzara fotoğrafçılığına dair kısa bir yazıyı LJ okuyucularıyla paylaşacağım.
Tüm nüansları detaylı bir şekilde anlatıp fotoğraf terimleriyle yüklemedim, bu nedenle çekim sürecinde ve hazırlık aşamasında hangi hususların dikkate alınması gerektiğini basit bir dille anlattım.

Manzara temaları bana en yakın olduğundan bu yazıda bu türdeki çekimlerden bahsetmek istiyorum.
Bu zanaatı hiçbir yerde okumadığımı ve bir fotoğrafçılık okulundan diplomam olmadığını hemen söyleyeceğim. Her şey bir şekilde kendiliğinden geldi. Senin ilk SLR kameraÜç buçuk yıl önce aldım ve hala kullanıyorum. Bu süre zarfında birkaç düzine güzel fotoğraf çekmeyi ve 50'den fazla fotoğraf raporu yazmayı başardım. Hatta bazıları şaheserler çekebildiğimi düşünüyor ama dışarıdan bakıldığında muhtemelen daha iyisini biliyorlar.

Henüz gezme fırsatım ve boş vaktim maalesef yok ama ilk fırsatta fotoğraf makinemi yanıma alarak gündelik hayatın ağından şehirden uzak bir yere, doğaya kaçmaya çalışıyorum. Öncelikle ruhumu rahatlatmaya, duygusal olarak yükümü boşaltmaya ve dikkatimi dağıtmaya gidiyorum. Kafamda ne pahasına olursa olsun bir başyapıt çekmek gibi bir düşüncem yok; aksine bana öyle geliyor ki bundan önce zaten yeteneklerimin maksimumunu verdim ve asla eskisinden daha iyi bir çekim olmayacak.
Çoğu zaman tüm ailemizle veya arkadaşlarımızla seyahat ederiz...

Yazın köyde geçirdiğim çocukluğum görünüşe göre aklımda bir iz bırakmıştı, bu yüzden manzaralarımın çoğunu Rusya'nın taşrasında çekiyorum. Rus doğasının ihtişamını ve çeşitliliğini, ahşap mimarinin alışılmadık derecede güzel anıtlarını, uzak ve yarı terk edilmiş köyleri ve her Rus insanının aşina olduğu köhne kulübeleri ve çitleri gerçekten seviyorum...
Bu resimler beni gerçekten etkiliyor!

Profesyoneller, "manzara" türünün fotoğraflarımın çoğuna pek uymadığına inanıyor: bazı siteler ve çoğu fotoğraf yarışmasının organizatörleri, fotoğraflarımı "mimari" veya "kültürel miras" bölümünde sınıflandırıyor. Ama bana yakın olan ve göze hoş gelen şeyleri fotoğraflıyorum ve buna hangi tür denildiğinin benim için hiçbir önemi yok. Çalışmama basitçe "Ruh için fotoğraf" derdim.

Geleneksel soruya: "Bu nasıl çekildi?" Uzun ve detaylı konuşabilirim ama bu yayın formatında iyi fotoğraf çekmemi sağlayan ana noktalara kısaca değinmek istiyorum.

Çekime hazırlanıyor

Kazara az ya da çok düzgün bir atış yapmadım. Tüm seyahatlerim ve kısa gezilerim iyi planlanmış ve hazırlanmıştır...
En çok önemli husus Manzara fotoğrafçılığında çekim yeri seçimini (sözde yer) dikkate alıyorum. Pencereden parkın güzel manzarasını istediğiniz kadar fotoğraflayabilir, mükemmel çekimi bulmak için yakındaki bir gölün kıyısını ezebilir veya en yakın koru yakınında gün batımını çekebilirsiniz. Birkaç güzel fotoğraf çekebilirsiniz, ancak çoğu güzel iş yalnızca zaman ve mekanda hareket ederek kazanacaksınız.

Okul yıllarımda oryantiringle ciddi olarak ilgilendim, tüm Rusya ve uluslararası yarışmalara katıldım ve aynı zamanda turizmle de uğraştım, bu yüzden haritalar konusunda nispeten bilgiliyim. Bu bana yer seçimi ve rota hazırlama konusunda çok yardımcı oluyor. Hatta harita ve arazi çalışmanın fotoğrafçılığa eşlik eden bir hobi olduğunu bile söyleyebilirim.
İnternetin mevcut olanakları gerçekten sınırsızdır, bu nedenle tüm fikirler, World Wide Web'deki bilgileri inceledikten sonra doğar.

Google haritalarında, Google Earth'te, Wikimapia'da, Panoramio'da (uzun yaşaması emredildi) - Uydulardan fotoğraflara ve eşsiz yerlere bakıyorum. Bu arada, Google haritalarındaki birçok yolda sanal bir araba ile "sürüş yapabilir" ve çevreyi önizleyebilirsiniz. Fotoğrafçılar arasında popüler olan web sitelerinde, seyahat forumlarında ve ayrıca ağlarda ilginç notlar ve makaleler ararım. Sobory.ru web sitesinde ahşap mimari anıtları hakkında pek çok bilgi bulunmaktadır. Özellikle tabiat rezervlerinden, milli ve tabiat parklarından bahsetmek istiyorum. Bu bölgeler, tanım gereği, manzara ressamlarının ilgisini çekmelidir. Alınan tüm bilgileri bir araya getiriyorum ve en uygun rotayı buluyorum.

Bazı yerlere ulaşmak için bazen tekne, bisiklet veya kayak gibi ek ulaşım araçlarının sağlanması gerekebilir.
Mümkünse, çekimden önce nesneyi ziyaret etmek, keşif yapmak ve açıları "denemek" daha iyidir - gereksiz olmayacaktır.
Hem fotoğrafçıların “hac” mekânlarını hem de fotoğrafçıların henüz ulaşamadıkları yerleri ziyaret ediyorum. İkinci seçeneği daha çok seviyorum çünkü sonuç genellikle beklenmedik derecede hoş bir sonuç ve her zaman benzersiz bir resim oluyor. Benden önce onlarca, yüzlerce çekimin yapıldığı alanlarda, çekime alışılmışın dışında yaklaşmaya ve fotoğrafa kendimden bir şeyler katmaya çalışıyorum.

8

Çekim için bir zaman seçme

Bu da değinmek istediğim ikinci nokta. Çekimlerin çoğunu “rejim” zamanı olarak adlandırılan zamanda çekiyorum: şafaktan yaklaşık bir saat sonra ve gün batımından bir saat önce. Yumuşak ve sıcak ışık, fotoğrafa zenginlik ve renk zenginliği kazandırır ve nesnelerin dokusunu detaylandırır. Aydınlık ve karanlık alanlar arasındaki geçişler daha yumuşaktır.
Ek olarak, sabah ve (daha az sıklıkla) akşam saatlerinde, görüntünün derinliğini vurgulayan, ışığı güzel bir şekilde dağıtan ve nesnelerin dış hatlarını bulanıklaştırarak fotoğrafları daha gizemli ve muhteşem hale getiren sis oluşma olasılığı yüksektir. .

Doğal olarak çekim sırasında ışık kaynağının nerede olacağını anlamak önemlidir. Bunu yapmak için internete tam gün doğumu ve gün batımı saatlerini bakıyorum ve ardından ufkun kenarlarına odaklanarak armatürün hareket yönünü haritaya yerleştiriyorum.
Ve elbette en önemli şey havadır.
Seçilen çekim noktası yakında olduğunda pencerenin dışına ve telefonunuzdaki hava tahmincilerinin vaatlerine bakmanız yeterli. Ve seyahat etmek uzun zaman alırsa, en az üç kaynaktaki tahminlerle tanışırım ve atmosferik cephelerin hareketinin tahmini haritasına bakarım. İlerledikçe rotanızı ayarlamanıza yardımcı olur.
Yukarıda belirtilen noktaları analiz ettikten sonra, kafamda zaten net bir hareket programım ve yaklaşık resimlerim var ve bunlar daha sonra kameramın matrisinde görünecek. Söylemek gerekir ki planlarımızı gerçekleştirmek neredeyse her zaman mümkün ama bazı yerlere tekrar dönmek gerekiyor...

Teknik bileşen

Sony A65 ve üç lensle çekim yapıyorum: Sony CZ16-80, Minolta 70-300, Samyang 8mm. Ayrıca bir portre prime Sony SAL-50F18 de var.
İlk lens evrenseldir; onu tüm karelerin yaklaşık %80'ini çekmek için kullanıyorum. Mükemmel keskinliğe ve renk sunumuna sahiptir.
Otomatik (her zaman değil) odaklama modunda mümkün olan en düşük ISO değeriyle, çoğunlukla f/8 - f/13'e kapalı bir diyafram açıklığıyla (bu, çerçeve boyunca maksimum keskinlik sağlar) manzara çekimleri yapıyorum. Enstantane hızı dahil tüm bu parametreleri manuel modda ayarlıyorum. Çerçevede güneşten gelen güzel ışınların alınmasına ihtiyaç duyulursa diyafram açıklığını daha da kapatabilirsiniz.
Çerçeveyi jpg ve raw formatında bir hafıza kartına kaydediyorum ve ikincisine yalnızca yedekleme için, aniden gölgeleri veya açıktonları çıkarmak zorunda kalırsam ihtiyacım var. Bilgiler gölgelerden, vurgulanan alanlara göre çok daha iyi geri yükleniyor, bu nedenle çoğu zaman düşük pozlamayla manzara fotoğrafları çekiyorum.

Pek çok fotoğrafçı beni bağışlasın ama nadiren tripod kullanıyorum. Geceleri, düşük ışık koşullarında vb. koşullar onsuz hiçbir yerde olamaz. Ancak normal saatlerde ışık hızla değişiyor ve kural olarak bu benim için yeterli. Bazen anı kaçırmamak için bir atış noktasından diğerine koşmanız bile gerekir. Ama koşmayı seviyorum ve fazladan egzersiz yapmaktan asla zarar gelmez :) Bu durumda bir tripod verimliliği önemli ölçüde azaltır. Bazen poz basamaklamayla çekim yapıyorum ama burada kural olarak tripoda ihtiyacım yok. Hatta panoramik çekimleri bile %90 oranında elde çekiyorum.

Panoramik fotoğrafçılık hakkında

Çalışmalarımın bir kısmını panoramik tekniği kullanarak yapıyorum; tek bir noktadan alınan birkaç kareyi üst üste bindirerek birleştiriyorum. Son versiyonda bu tür fotoğraflar tamamen sıradan görünüyor. Ve buradaki amaç hiç de posterler için sahneler çekme veya fahiş pikseller elde etme arzusu değil, sadece panoramanın tüm çerçeveye hacim, derinlik ve keskinlik vermesi, izleyicinin bakışını ön plandan ön plana yönlendirmenize olanak sağlamasıdır. orta ve arka plan, çerçevede varlık etkisi yaratır ve elbette daha geniş bir kapsama alanı sağlar.

İlginç bir ön plana sahip fotoğrafları gerçekten seviyorum, bu yüzden bir çerçeve oluştururken (panoramik veya tek çekim olsun), bununla başlamaya çalışıyorum. Ön plan olarak taş, çiçek, yaprak vb. kullanabilirsiniz. Gözünüze çarpacak bir şey yoksa, örneğin bir tür engeli sürükleyerek doğaçlama yapabilirsiniz.

Tedavi

Çerçeveleri Photoshop PS5'te son işleme tabi tutuyorum. Esas olarak gölgeleri ve vurguları, kontrastı, doygunluğu düzenliyorum, filtreler uyguluyorum ve bazen görüntünün dinamik aralığını (HDR) genişletme teknolojisini kullanıyorum. Fotoğraf kolajlarını hoş karşılamıyorum. Ayrıca panoramaları Photoshop'ta bir araya getiriyorum, çoğunlukla otomatik mod. Tutarsızlıkları ve geometriyi elle düzeltiyorum.
Bir fotoğraf düzenleyici kullanmanın çerçeveyi iyileştirmenize olanak sağladığı ancak kaynağın yüksek kalitede olması gerektiği unutulmamalıdır. Eğer fotoğraf açıkçası iyi çıkmazsa, o zaman hiçbir editör bundan yararlı bir şey çıkaramaz.

Çekimlerimin çoğunu eleştiriyorum. Öyle oluyor ki, çekim sırasında bazı anları gözden kaçırıyorsunuz ve bazı nüansları göz ardı ediyorsunuz. Bir süre sonra daha iyi çekilebileceğini anlamaya başlıyorsunuz.
Kısaca bu kadar. Ama belki de bir şeyi kaçırdım.

Yukarıdakilerin hepsini özetleyerek şunu söylemek istiyorum: Fotoğrafçılıkla ilgileniyorsanız, bunu ruhla yapın, yaratıcı olun ve becerilerinizi geliştirin. Çekim yerini seçerken sorumlu bir yaklaşım benimseyin, rotanızı planlayın, hava durumunu inceleyin...

Hepinize iyi şanslar, ilginç seyahatler ve unutulmaz güzel çekimler diliyorum!

Belki de ünlü ustaların manzaralarına baktığınızda, en basit görüşleri bile anlamlı ve alışılmadık bir şekilde aktarmayı nasıl başardıklarını merak ettiniz. Bu sorunun cevabının bir kısmını, temel kompozisyon tekniklerini (ritim, çizgiler, simetri) öğrendiğiniz, renk ve ışıkla nasıl çalışılacağını öğrendiğiniz ve aynı zamanda uyumlu ve uyumlu bir yapı oluşturmanın ilkelerini anladığınız önceki derslerde zaten aldınız. anlatı fotoğrafçılığı. Tüm bu bilgiler işinize yarayacak ve bu dersimizde fotoğraflarınızı bir üst seviyeye taşıyacak spesifik manzara tekniklerine bakacağız.

Manzara fotoğrafçılığı ve dinamik aralık

Kamera birçok yönden benzer insan gözü ancak ne yazık ki gördüklerinizi tamamen aynı şekilde aktarma yeteneğine sahip değil. Örneğin, genellikle güzel bir manzaranın fotoğrafını çekmek istediğinizde, fotoğrafın mavi gökyüzü yerine aşırı pozlanmış beyaz bir nokta olduğu ortaya çıkar. Veya gölgeler karanlığa karışıyor ve oradaki ayrıntılar okunamıyor. Bu, kamera matrisinin sınırlı bir dinamik aralığa sahip olmasıyla açıklanmaktadır. Basitçe söylemek gerekirse, sahne ışıkta kontrast oluşturuyorsa, kamera hem aydınlık hem de karanlık alanları eşit derecede iyi aktaramayacak, kesinlikle bir şeyler kaybolacaktır.

Gördüğünüz gibi gölgeler siyaha döndü ve gökyüzü beyazlaştı, yani aşırı ışığa maruz kaldı.

Genel olarak gölgelerdeki boşluklar ve aşırı pozlama bir kusur değildir. Her zaman uygun ve güzel görünmüyorlar. Bu nedenle, hem kendiniz hem de kamera için hayatı kolaylaştırmak amacıyla, ışığın daha az kontrastlı olacağı ve gölgelerdeki ve parlak noktalardaki ayrıntılar arasında bir miktar uzlaşma sağlamanın mümkün olacağı koşulları aramanız gerekir. En kolay yol, normal saatlerde fotoğraf çekmektir.

Planlanan saatlerde doğayı fotoğraflamak

Kameranın deklanşör hızı tüm modlarda otuz saniye ile sınırlıdır ancak çoğu zaman çok daha uzun bir değere ihtiyaç duyulur. Ampul modunu kullanabilirsiniz ancak daha sonra deklanşör düğmesini parmağınızla tutmanız gerekir, bu da kameranın sallanmasına ve bunun sonucunda bulanıklığa neden olabilir. Uzaktan kumandanın kullanışlı olduğu yer burasıdır. Tek düğmeli uzaktan kumandaların basit versiyonları vardır (kilitlidir, yani tutmanıza gerek yoktur) ve ayrıca deklanşör hızı değerini izlemenizi sağlayan zamanlayıcılı ek bir tane de vardır. Ayrıca pozlama süresini, kare sayısını ve hatta aralarındaki aralığı ayarlamanıza olanak tanıyan daha gelişmiş modeller de vardır. Tüm parametreler monitörden kontrol edilir, ayarladıktan sonra tek yapmanız gereken bir düğmeye basmak ve fotoğrafın hazır olmasını beklemektir.

Aynı derecede kullanışlı bir başka filtre ise nötr gridir. Matrise giren ışık akışını sınırlamanıza ve sonuç olarak daha fazla ışık kullanmanıza olanak tanıyan renkli cama sahiptir. uzun pozlamalar yağlama için, örneğin su. Bu filtreyle ilgili ayrıntılar bu makalede yer almaktadır.

Ayrıca nötr gri degradenin bir alt türü olan başka bir filtre daha vardır. Camın bir kısmı karartılmış, geri kalanı şeffaftır. Sahne geniş bir dinamik aralığa sahipse, pozlamayı eşitlemek için bu gereklidir. Burada yuvarlak filtreler yerine dikdörtgen filtreler kullanmak daha iyidir, çünkü bunlar camı hareket ettirerek kararan kenarlığı yukarı ve aşağı kaydırma yeteneğine sahiptirler (sonuçta ufuk resmin merkezinde bulunmayabilir).

Koyulaşan kenarlığı karanlık bir alana, o kadar görünür olmayacak şekilde yerleştirmek daha iyidir. Arazi engebeli bir araziye sahipse eğimleri kullanmak daha zor, hatta neredeyse imkansızdır. Bu durumda fotoğrafta bir şerit görünecektir.

Ayarlar her şeydir. Fotoğrafçılığın temelleri. Aşama 2: Ders 1 ( 12 oylar, derecelendirme: 5,00 5 üzerinden)

Fujifilm'in Rusya Büyükelçisi, manzara fotoğrafçısı ve deneyimli seyahat blog yazarı Elena Petrova, manzara çekerken kompozisyonla çalışmaya ilişkin ipuçları paylaşıyor.

Fotoğrafçının asıl görevi izleyicinin dikkatini çekmektir. Bunu yapmak için çerçevedeki alan, izleyicinin bakışını yönlendirecek ve onu temel unsurlara "işaret edecek" şekilde yapılandırılmalıdır.

Bu nedenle insan algısının tam olarak hangi “kurallara” tabi olduğunu bilmek çok faydalıdır. İnsanların görüntülere tam olarak nasıl "baktıkları" üzerine yapılan çalışma, çeşitli görüntüler gösterilen deneklerin gözbebeklerini takip eden özel bir yöntem kullanarak çeşitli desenler türeten Alfred Lukyanovich Yarbus tarafından gerçekleştirildi.

İşte görsellerin ilk dikkat çeken özellikleri:

1. En fazla ayrıntıya sahip yerler
2. Kontrastların sınırları
3. İnsan yüzleri
4. Harfler ve semboller
5. Parlak unsurlar

Ayrıca Yarbus, bir kişinin bakışının çerçevedeki çizgileri takip ettiğini buldu. Aynı zamanda sadece açık değil aynı zamanda hayali de olabilirler. Ve çoğu peyzaj kompozisyonunun inşa edildiği yer “çizgiler”dir.

Ancak izleyicinin fotoğrafı tam olarak nasıl göreceğini %100 kesin olarak söyleyemeyeceğimizi anlamak çok önemlidir; yalnızca varsayımlarda bulunabiliriz.

Şimdi kullanılan en yaygın kompozisyon tekniklerine daha yakından bakalım. Manzara fotoğrafçılığı. Tek fotoğrafta her şeyi bir kerede kullanmak gerekli değildir (bu zararlı bile olabilir). Daha ziyade bu teknikler, bir fotoğraf oluşturabileceğiniz yapı taşları gibidir.

Peki, bir kompozisyon oluşturmadan ve şu veya bu tekniği kullanmadan önce bu fotoğrafı ne, neden ve kimin için çektiğinizi net bir şekilde anlamalısınız. Ve izleyiciye tam olarak ne iletmek istiyorsunuz?

çizgiler

Bu çekimde tüm çizgiler çerçevenin derinliklerinde birleşiyor. Ve fotoğrafın derinliklerinde yer alan tapınağın boyutları oldukça küçük olmasına rağmen izleyici yine de fark edecek ve inceleyecektir çünkü "çizgiler gözü oraya yönlendirecektir."

Belki de izleyicinin bakışını kontrol eden ana kompozisyon unsuru. Fotoğrafa "bakarken" izleyicinin bakışının takip ettiği çizgilerdir; bu, ana anlamsal ve kompozisyon öğelerinin "gösterilmesine" ve vurgulanmasına yardımcı olacağı anlamına gelir.

Çizgilerle çalışmanın ana özellikleri:

• Yatay çizgiler fotoğrafa "istikrar" ve sakinlik hissi verir. Yalnızca yatay çizgileri olan bir fotoğraf (klasik bir örnek, ufuk çizgisi olan denizdir) statik görünür.
• Dikey çizgiler ritmi ayarlar ve ölçek ve yüksekliği aktarabilir (uzun ağaçlar ve gökdelenler gibi). Ayrıca izleyicinin bakışının görüntü düzleminin dışına çıkmasını engelleyen mükemmel kareler oluştururlar.
• Çapraz çizgiler fotoğrafa hareket ve hareket duygusu katar ve perspektif yaratır. Klasik bir örnek, mesafeye uzanan bir yoldur. Ancak köşegenler aynı zamanda ağaç dalları da oluşturabilir.
• Uzaklara doğru uzanan çizgiler hacim ve perspektifin aktarılmasına yardımcı olur.

“Kompozisyon çizgileriyle nasıl çalışılır” yazımızda bu konuyla ilgili pek çok tavsiye var.

Ritim

Bu fotoğrafta tepenin yüzeyinde çok renkli çizgilerle ritmik bir desen oluşturulmuş. İzleyicinin dikkatini çeken ve fotoğrafın yapısını belirleyen onlardır.

Ritim kullanmak, alanı yapılandırmanıza ve düzenlemenize olanak tanır ve bu da fotoğrafı daha anlamlı hale getirir.

İnsan algısı, her zaman kalıp bulmaya ve her şeyi organize etmeye çabalayacak şekilde tasarlanmıştır, bu nedenle önceden düzenlenmiş bir alan daha uyumlu olarak algılanır.

Çerçevedeki ritim, mekanın organizasyonu, formun kısalığı ve netliği duygusu yaratır ve süreklilik ve periyodiklik duygusunu vurgular.

Bir manzarada gökyüzündeki bulutlar, ağaç gövdeleri, çitler, dalgalar, çiçekler ve taşlar ritmik bir desen oluşturabilir.

Ritmik fotoğrafların çoğu zaman statik göründüğünü hatırlamakta fayda var, ancak kompozisyonda ritmi bozan bir unsur varsa resim daha dinamik hale gelir. Ve genel ritimden "öne çıkan" nesne, anında daha anlamlı ve "dikkat çekici" hale gelir.

Çerçeve

Bu fotoğraftaki çerçeve, ağaç dalları ve bir tekne ile temsil edilmektedir; izleyicinin bakışının çerçevenin sınırlarının dışına çıkmasına izin vermeyen ve dikkatini kiliseye odaklamasına izin veren de bu unsurlardır (ayrıca şununla vurgulanmıştır: renk ve ışık). Çerçeveye dahil edilen tekne, buranın atmosferini ve huzurunu vurgulamanıza ve “mahalleyi” aktarmanıza olanak tanır.

Fotoğrafı daha hacimli hale getirmenizi sağlayan çok etkileyici bir kompozisyon öğesi.

Ayrıca fotoğrafta bir çerçevenin bulunması, izleyicinin bakışının çerçevenin dışına çıkmasına izin vermemekte ve izleyicinin çerçeveye daha uzun süre baktığı ve ona daha ilginç ve eksiksiz geldiği ortaya çıkmaktadır.

Ağaç gövdeleri ve dalları çoğunlukla manzara fotoğrafçılığında çerçeve görevi görür. Yani Tek yapmanız gereken, çektiğiniz nesneyi ağaç dallarıyla çerçevelemek (örneğin, yapraklar arasındaki bir boşluktan çekim yapmak) ve böylece bir çerçeveye sahip olacaksınız. Veya ön plana yayılan bir ağaç yerleştirin.

Ön plan

Burada fotoğrafı daha hacimli hale getirmek (ve pitoresk olmayan çitleri kapatmak) için çiçekler ön plana yerleştirilmiştir. Bu çekimin havasını yaratmaya yardımcı oldular ve ayrıca bir yaz sabahının atmosferini aktardılar.

Çizgilerin yanı sıra, bu aynı zamanda bir fotoğrafı üç boyutlu hale getirmenize ve varlık etkisi yaratmanıza olanak tanıyan ana kompozisyon tekniğidir.

Çekim anında ön plana yerleştirmeye değer ilginç bir unsur bulmaya değer.

Bu unsur bir yandan ek bir plan oluşturup kompozisyonu anlamsal olarak tamamlayacak, diğer yandan izleyicinin gözüne “kompozisyona giriş noktası” verecektir. Yani Ön plandaki nesneler kompozisyonu tamamlıyor gibi görünüyor ve ana konunun özelliklerini vurguluyor.

Ön planın orta ve uzak planlardan görsel olarak ayrılması gerektiğini unutmamak çok önemlidir. Farklı bir renk olabilir veya ton perspektifiyle ayrılmış olabilir. Ve kesinlikle ön plan diğer tüm planlarla görsel olarak birleşmemelidir: orta ve arka plan.

Çok sayıda ön plan seçeneği olabilir. Çoğu zaman bir tür bitki, taş, dal olacaktır.

Geometrik şekiller

Bilgiyi yapılandırmak için insan algısının özelliklerine dayanan başka bir kompozisyon tekniği.

Geometrik şekillerin etkileşimine dayalı kompozisyonların daha ilginç göründüğü genel olarak kabul edilmektedir. Yani Kompozisyonunuzun basit geometrik şekiller içermesini sağlamaya çalışmalısınız ve tek sayı Rakamlar algı açısından çift rakamlardan çok daha iyidir. Üç daire, 5 dikdörtgen...

Böyle bir alan, tıpkı ritmi kullanırken olduğu gibi, daha yapılandırılmış ve dolayısıyla daha uyumlu görünür.

Yansımalar

Burada yansımaların kullanılması, fotoğrafı daha "ciddi" ve eksiksiz hale getirmenize olanak tanır. Ve ön plandaki sazlar ilave hacim yarattı. Bütün bunlar fotoğrafın daha hacimli olmasına yardımcı oldu.

Manzara fotoğrafçılığında favori bir teknik. Hatta "anlaşılmaz herhangi bir durumda yansıma arayın" diyebilirsiniz.

Yansımaları kullanmak, çerçeveyi daha renkli hale getirmenizi ve alanı doldurmanızı sağlar.

Aslında bir göl veya nehirdeki yansıma, fotoğrafta ek bir plan oluşturmanıza ve fotoğrafı daha da canlı ve hacimli hale getirmenize olanak tanır.

Bu nedenle nehir, göl ve gölet kıyılarında çekilen fotoğraflar çok ilginç ve renkli görünüyor.

Ancak unutmayın, sadece bir nesnenin ve onun yansımasının fotoğrafını çekerseniz, çerçeve “düz” çıkacaktır, başka planlar bulmaya çalışın ve bunları fotoğrafınıza dahil edin.

Üçte bir kuralı (aslında bir kural değil)

Bu “kuralsızlık”ın anlamı şudur: Çerçeve alanı yatay ve dikey olarak eşit üçte birlik kısımlara bölünürse ve anahtar elemanlar dikeylerin kesişme noktalarına yerleştirilirse ve ufuk da alt veya üst üçte birlik bölgeye yerleştirilirse, o zaman resim hemen ilginç ve çekici hale gelecektir.

Ancak Yarbus'un araştırması, insanların öncelikle "üçte birlere" baktığını ve bunların bir fotoğrafın algılanması açısından özel bir anlamı olduğunu doğrulamıyor.
Yani Çerçevedeki alan yapılandırılmalı ve sıralanmalı, resim dengelenmelidir, ancak ana unsurun üçte mi yoksa merkezde mi yer alacağı yalnızca yazarın fikrine bağlıdır.

Sonuç olarak

Yukarıdan kompozisyon teknikleri ve elementler Güzel fotoğraf bir bulmaca gibi birbirine uyuyor. Yani Bir yere vardığınızda, önce çerçevenizle izleyiciye tam olarak neyi iletmek istediğinizi ve hangi öğelerin "çerçeve fikrine göre" işe yarayacağını anlamalısınız, sonra etrafınıza bakıp bunların tam olarak nasıl yapılandırılabileceğini düşünmelisiniz. ve kompozisyonun ilginç, eksiksiz ve çekici hale gelmesi için çerçeveye yerleştirildi.

Bu makale çevrimiçi fotoğrafçılık okulu Photodemy.com'un desteğiyle yazılmıştır. Tüm okuyucularımız okul web sitesine kayıt olup abone olduklarında 2 ay hediye alabilirler. Ücretsiz eğitim BLAZE1 promosyon kodunu kullanarak.

Selamlar sevgili okuyucular! Sizinle temas halindeyim Timur Mustaev. Bazı amatör fotoğrafçılar manzarayı fotoğrafçılığın en temel türlerinden biri olarak kabul ederler. Bir dereceye kadar onların bakış açısını paylaşıyorum: İstediğiniz yere gidin ve aklınıza geleni vurun.

Ayrıca, önemli mali maliyetler gerektiren stüdyo çekimlerinin aksine, doğa yok olmayacak ve karşılığında dikkatli bir şekilde işlenmesi dışında hiçbir şey gerektirmeyecek ve durum yılın zamanına göre değişerek hayal gücüne yer açacaktır.

Peki manzara gerçekten bu kadar basit mi? Hadi birlikte çözelim.

Belki de bilgilendirmeye bu türün tanımı ve insan gerçekliğindeki yeri ile başlayalım.

Fotoğrafçılıkta manzara

Manzara doğanın görüntünün merkezi olduğu bir türdür.

Bu trend, kameraların olmadığı, ünlü ve çok ünlü olmayan sanatçıların açık havaya çıkıp gördüklerini fırça ve boya yardımıyla aktardıkları dönemde ortaya çıktı.

Bu nedenle bu türün anlamını anlamak gerçekçi sanatçılardan öğrenilmelidir.

Resimler, başka hiçbir şeye benzemeyen, ayrılmaz bir şekilde bağlantılı oldukları doğanın tüm güzelliğini deneyimlemenize olanak tanır; iç dünya genel olarak duyguları, ruh hali ve hayata olan sevgisi ile bir kişi.

Ve fotoğrafçılıkta manzara, doğanın şu veya bu köşesinin tamamen doğru bir şekilde yeniden çizilmesi değil, kişinin kendi dünya algısıdır.

Modern manzara fotoğrafçılığı oldukça çok yönlüdür. Bu tür malzemelerin sergilenmesi, izleyiciye sanatsal bir zevk aşılıyor ve gerçek hayat ile fotoğraflar arasında çağrışımsal paralellikler kurarak hayal gücünü geliştiriyor.

Fotoğraf sanatı ile yaşam arasındaki ilişki yeni bir yönün ortaya çıkmasına neden oldu - baskın unsurun doğa değil, toplumun beyni olduğu kentsel manzara - çok sayıda caddesi, mimari objesi, meydanı ve sonsuz manzarasıyla şehir araba ve yaya akışı.

Kentsel ve klasik manzara en cimri fotoğrafçıları bile büyülüyor! Bunun da bir açıklaması var: Bu türde çekim yaparak pahalı ekipman kullanmadan mükemmel çekimler yapabilirsiniz.

İhtiyacınız olan tek şey arzu, sabır, bir tripod, bir SLR fotoğraf makinesi ve onu kullanma konusunda biraz beceri.

Diğer türlerde olduğu gibi bu türde de çekim yapmak, her şeyden önce, neler olup bittiğine dair kendi vizyonunuzun eşlik ettiği yaratıcı bir süreçtir, ancak garip bir şekilde, uyulması sizi başarısızlıktan kurtaracak birçok kural vardır. .

Manzara fotoğrafçılığı

Bir an gözlerinizi kapatın ve hayal edin: Önünüzde benzeri görülmemiş güzellikte alanlar uzanıyor ve öyle görünüyor ki, deklanşöre bastığınız anda dünyanın daha önce görmediği en güzel görüntü kamera ekranında belirecek. .

Bu bölümü hafızanıza kaydedin ve gözlerinizi açın, fanteziniz bir fantezi olarak kalacak ve aşağıda listelenen kuralları ihmal ederseniz bir manzaranın nasıl fotoğraflanacağını asla öğrenemeyeceksiniz.

• Maksimum keskinlik. Pek çok fotoğrafçı açık diyafram açıklığıyla manzara çekimi yapıyor ancak "çok" iyi çalışmanın göstergesi değil.

Manzara fotoğrafçılığının klasik bir tekniği, görüntünün tamamına odaklanmaktır (kapalı diyafram açıklığıyla çekim).

Keskin ve orta derecede pozlanmış bir fotoğraf elde etmek için genellikle basit kamera ayarlarını yapmak yeterlidir: kaydırıcı f/11-16 civarındadır, ancak . Ancak hareketi önlemek için veya kullanarak manzara çekimi yapmak daha iyidir.

• Anlamı olan. Herhangi bir fotoğraf için kompozisyonun anlamsal bir merkezine sahip olmak önemlidir, böylece dedikleri gibi gözün yakalayacağı bir şey olur. İlgi odağı herhangi bir şey olabilir: ilginç şekilli bir bina, bir ağaç, bir dağ, denizin ortasında bir gemi vb.
• Üçte bir kuralıçerçevenin genel bileşiminde. Anlamsal merkezin görüntünün tüm öğelerine ve detaylarına göre konumu, keskinliğin varlığı kadar önemlidir.

Referans şunu söylüyor: Fotoğrafı çekilen nesneler geleneksel olarak görüntüyü hem uzunlamasına hem de çapraz olarak üç parçaya bölen çizgilerle ayrıldığında bir fotoğraf en avantajlı görünür.

• Düşünceli ön plan. Anlamsal merkezleri fotoğrafın ön kısmına yerleştirin, önde “hava boşluğu” bırakın, böylece hafiflik efekti yaratabilecek ve derinlik aktarabileceksiniz.
• Baskın unsur. Başarılı doğa fotoğrafçılığının sırrı ortaya çıktı; ya gökyüzü ya da ön plan resme hakim olmalıdır.

Fotoğraflarınız bu tanıma uymuyorsa muhtemelen sıkıcı ve sıradan olarak değerlendirilecektir.

Fotoğraf çekimi sırasında gökyüzü ilgi çekici değilse ve tek renkliyse, ufuk çizgisini üstteki üçte birlik kısma taşıyın, böylece onun geri kalanına üstün gelmesine izin vermezsiniz.

Ancak hava sahası lav akıntılarıyla patlamak veya yere çökmek üzere gibi görünüyorsa, çerçevenin 2/3'ünü verin ve olup bitenlerin planının ne kadar değişebileceğini göreceksiniz.

• çizgiler. Doğanın güzelliğini sonuna kadar yakalamanın sonsuz yolu var. Bunlardan biri aktif çizgilerin kompozisyona dahil edilmesi tekniğidir. Çizgilerin yardımıyla izleyicinin bakışını fotoğrafın bir anlamsal noktasından diğerine yönlendirerek belirli bir alan kuşatması yaratabilirsiniz.

Çizgiler fotoğrafta yalnızca desenler oluşturmakla kalmaz, aynı zamanda hacim de katar. Bu aynı zamanda ötesinde sürekli bir göze ve göze ihtiyaç duyduğunuz ufuk çizgisi için de geçerlidir.

• Hareket. Birçok kişi manzara fotoğraflarının sakin ve pasif olduğunu düşünüyor. Ancak bu mutlaka böyle değildir! Bir fotoğrafa su ya da rüzgarın yardımıyla hayat katabilirsiniz; örneğin, okyanusun ya da akan bir şelalenin şiddetini, rüzgarın esişini ya da ağaçtan düşen yaprakların, uçuşun şiddetini yakalamak için bir DSLR fotoğraf makinesi kullanabilirsiniz. kuşların veya insanların hareketi.

Hava ve zamanın manzara fotoğrafçılığının kalitesi üzerindeki etkisi

Manzaranın Altın Kuralı: "Sahne ve konu, hava koşullarına ve yılın zamanına bağlı olarak bir gecede önemli ölçüde değişebilir."

Buna inanmak bir hatadır en iyi zaman doğal çekimler için - güneşli bir gün.

Bulutlu havalarda ışık efektleri açısından çekim yapmak bir zevktir: dolu, karla karışık yağmur ve fırtınalar her manzarayı uğursuz, gizemli bir ruh hali ile doldurabilir.

Ancak bir yan etkisi de var; ayaklarınızın ıslanması, hastalanmanız ve DSLR'nize sonsuza kadar veda etme ihtimaliniz var çünkü nem, tüm elektronik cihazlar üzerinde yıkıcı bir etkiye sahip olabilir.

Bunu önlemek için gününüzü önceden planlayın, hazırlıklarınızı ciddiye alın: ne giyeceğinizi ve kameranızı neye saracağınızı düşünün. Bu amaçlar için, su geçirmez bir kılıf veya en azından lensi lensin üzerine düşen damlalardan koruyan bir kılıf satın almak en iyisidir.

Yağmurda çekim yapmak şart değil; sanatsal görüntüler elde etmenin yollarından sadece biri.

Bu, çok yumuşak, dağınık bir ışık yaratarak resimlere hafiflik ve özel bir uykulu görünüm kazandırır.

Sisle kaplı bir orman, güneşli bir güne göre çok daha gizemli ve çekici görünecek.

Çekim yaz veya sonbaharda yapılsa da, yaprakların arasından parlayan ışık açık diyaframda ilginç bir görünüm yaratabilir.

Gün batımı sırasında, kullanarak, özellikle ön plan hafifçe arkadan aydınlatılmışsa, daha az ilginç olmayan manzaraları fotoğraflayabilirsiniz.

Tavşanlardan kaçınmak için bir parasoley veya kullanın. Bu filtre manzara fotoğrafçılığında kesinlikle yeri doldurulamaz.

Gece fotoğrafçılığı teknik olarak en zor olanıdır. Doğanın tam anlamıyla fotoğraf çekmek, ışık yetersizliğinden dolayı anlamsızdır. Bu nedenle yapay ışık kaynaklarının olduğu yere - şehre gitmeniz gerekiyor.

Bu durumda flaşı sürekli kullanıp değeri 800-1600'e çıkarıp şehir manzarasına doğru ilerlemenin bir anlamı yok!

Manzara fotoğrafçılığı konusunda kısa bir eğitim programı geri dönüşü olmayan noktaya geldi! Umarım bu makale en azından biraz öğretici ve faydalı olmuştur. İstenilen sonuçları elde etmek için bir manzaranın doğru şekilde fotoğraflanmasının anlamını sizlere aktardığımı düşünüyorum.

Fotoğrafçılıkta olumlu bir başarı elde etmek isteyen hevesli bir fotoğrafçıysanız, her şey sizin elinizde. Başlamak için en iyi yer DSLR fotoğraf makinenizin konseptidir. Aşağıdaki video kurslarından biri asistan olabilir. Acemi fotoğrafçıların çoğu, bu kursu okuduktan sonra, fotoğrafçılığa karşı farklı bir tutum sergilemeye başladı. SLR kamera. Kurs, bir DSLR'nin ilk aşamada çok önemli olan tüm önemli fonksiyonlarını ve ayarlarını ortaya çıkarmanıza yardımcı olacaktır.

İlk AYNAM- CANON DSLR sahipleri için.

Yeni başlayanlar için dijital SLR 2.0- NIKON DSLR sahipleri için.

Blog güncellemelerine abone olun ve ayrıca makalelerin bağlantılarını arkadaşlarınızla paylaşın.

Size en iyi dileklerimle, Timur Mustaev.

Fotoğrafçılıkta manzara, yalnızca görüntülerin çekilmesi veya doğanın şu veya bu köşesinin protokole uygun şekilde çoğaltılması değildir. Bir manzara fotoğrafçısının şair olduğu kadar botanikçi olmaması gerektiğini söylemelerine şaşmamalı! Ve eğer sanatsal bir fotoğraf yaratmaktan bahsediyorsak, yazarından doğru malzeme seçimini, malzemenin doğru anlaşılmasını ve sanatsal yaratıcılığın anlamını talep etme hakkımız var. Fotoğrafik görüntülerin doğruluğu, şiirselliği, pitoreskliği (Ivanov - Alliluyev, 1971).

Fotoğraf yoluyla yaratılan sanatsal bir manzara, izleyicide resim yoluyla yaratılan bir manzarayla aynı derin deneyimleri uyandırmalıdır. Ve fotoğrafçılıkta bu yüksek gereksinimleri karşılayan pek çok çalışma bulunmaktadır (Ivanov-Alliluyev, 1971; Levkina, 2013).

Çağdaş manzara fotoğrafçılığı çok çeşitlidir. Yazarlarının klasik resim örneklerini takip ettiği manzara korunmuş ve geliştirilmiştir. Burada elbette ressamların bulduğu teknik ve efektlerin düşüncesizce taklit edilmesinden ve basit tekrarından söz edemeyiz. Fotoğraf bağımsızlığını, modernliğin kendine özgü özelliklerini kaybetmez. Ancak olay örgüsü ve görsel yapılardaki benzerlikler hâlâ varlığını sürdürüyor; bunlar oldukça açık. Bu tür manzaralar ilgi çekicidir çünkü sanatsal zevki geliştirir, resimsel beceriyi gösterir ve izleyicide çağrışımsal fikirler uyandırır (Ivanov-Alliluyev, 1971; Levkina, 2013).

Manzara fotoğrafçılığının özellikleri

Genel olarak manzaraların parlak güneş ışığından fırtınalı şimşek çakmalarına kadar her türlü hava koşulunda fotoğraflanabileceğine inanılır ve manzara fotoğrafçılığında en önemli şey sabah gökyüzünün en net olduğu yer olduğundan sabah ışığını yakalamak için erken kalkmaktır. ve en şeffaf olanıdır (Harman, 2011).

En önemli özelliği Manzara fotoğrafçılığı- sanatsal manzara fotoğrafçılığına ilişkin bilim eksikliğidir. Fotoğraf edebiyatı dünyasında “Manzara Fotoğrafçılığı Sanatı” diye bir kitap yok. Nedeni basit: Fotoğrafik manzara sanatı o kadar çok yönlü ve karmaşık ki, bu bilimin bir meta bilim olduğu ortaya çıkıyor. L.D.'nin kitabında yazıldığı gibi. Kursky, Ya.D. Feldman “Fotoğrafçılığı öğretmek için resimli el kitabı”: “ ana özellik Manzara fotoğrafçılığı yapıcıdır. Natürmorttan farklı olarak burada herhangi bir ayar yapmak imkansızdır. Örneğin genel kompozisyona müdahale eden bir dağ yamacını kaldırmak imkansızdır; bütünün yerini değiştirmek imkansızdır. Bu nedenle, olay örgüsünün kompozisyonu üzerindeki çalışma, bir çekim noktası seçme ve istenen özelliklere sahip bir lens seçme şeklindeki tek yöntemle sınırlıdır. odak uzaklığı. Bu noktaların pek çoğu olabilir ve her birinin kendine has özelliği, kendi bireyselliği vardır.” Her manzaranın birkaç planı vardır: yakın, uzak ve orta. Görünüşleri, uzayın derinliklerine, ufuk çizgisine doğru hareket eden nesnelerin ölçeğindeki azalmayla ilişkilidir. Doğrusal formların ölçeklerinin karşılaştırılması bir fotoğrafın doğrusal perspektifidir (Belov, 2012).

Fotoğraf oluşturmanın ayrılmaz bir parçası aydınlatmadır. Işık duyularımızın en belirleyici kaynaklarından biridir. Sanatsal bir fotoğraf çalışması yaratmanın ana yolu olarak kabul edilir (Dyko, 1977).

Bir peyzajın bireyselliği, esas olarak iyi seçilmiş bir aydınlatma efektinin doğaya verdiği birlik ve bütünlüğe bağlıdır (Belov, 2012; Dyko, 1977; Wade, 1989).

Işık, gerçekte var olan dünyayı görmeyi mümkün kılar. Bu durumda farklı zamanlarda olduğu gibi aydınlatmanın özgünlüğü ve çekiciliği önemli rol oynar. Günışığı saatleri: şafak vakti, sabah, öğlen, öğleden sonra, gün batımı sırasında. Ayrıca, önemli Fotoğraf çekerken aynı zamanda yılın zamanını, sıcaklığı ve bölgenin manzarasını da gösterir. Sonuç olarak, bir manzara fotoğrafçısının pek çok alışılmadık ve çözülmesi zor sorunla karşılaştığını söyleyebiliriz (Belov, 2012).

Her şeyden önce, onu şu paradoks bekliyor: Kendini doğrudan uzayda çarpıcı bir manzaranın açıldığı noktada bulan, kamerası olan bir kişi, çevredeki doğanın güçlü, çeşitli etkisini deneyimliyor. Bakışları aynı anda 180 derecelik perspektifi kapsıyor ve etrafına bakarsa 360 derecenin tamamı. Fotoğrafta perspektif, kural olarak, tipik bir merceğin odak uzaklığı 28 mm olan 60 derece ile sınırlıdır (Ilyinsky, Petunina, 1993). ; Belov, 2012).

İkinci olarak fotoğrafçı görsel, işitsel ve kokusal görüntülerden etkilenir. Etrafta sürekli bir şeyler oluyor: kuşlar şarkı söylüyor, çiçekler kokuyor, bir dere gevezelik ediyor, rüzgar esiyor. Dokunsal duyular genel algıda da önemli bir rol oynar: Ayaklarımızın altında keskin taşları, ağaç köklerini ve manzaradaki diğer düzensizlikleri hissederiz, ağaçların pürüzlü veya pürüzsüz kabuğuna dokunabiliriz, avuçlarımızda kardan bir kartopu yuvarlayabiliriz (Wright) , 2010; Wade, 1989).

Manzaranın maddiliği ön planda açıkça görülebiliyor; fotoğrafçıdan bir veya iki metre uzakta, doku açıkça görülebiliyor: çimen yaprakları, taşlar ve ağaç yaprakları ayrıntılı bir şekilde çizilmiş. Paradoks şu ki, fotografik sonuç, bu çok sayıda hoş algı ve duyum yerine, çekim anında hissedilen her şeyin yalnızca küçük bir kısmını aktaran, monitördeki bir tür banal fotoğraf veya düz bir resim olacaktır (Belov. 2012; Morozov, 1985).

Bir manzara fotoğrafçısının karşılaştığı ciddi zorluklardan bir diğeri de üçüncü koordinatın kaybolmasıdır. Bir manzarada uzayın derinliği genellikle kilometrelercedir! Fotoğrafta ise görüntü düzleşerek iki boyutlu hale geliyor. Doğanın üç boyutlu bir resmi nasıl restore edilir? Doğrusal perspektif bu konuda bize yardımcı olacaktır (Lapin, 2005).

Perspektif Latince perspceree yani içinden bakmak kelimesinden gelir. Doğrusal perspektifin ilkeleri birçok Rönesans sanatçısı tarafından geliştirildi. Bunlara Leonardo da Vinci ve Albrecht Dürer dahildir. Örneğin Leonardo da Vinci, görüntü azaltmanın temel ilkelerini belirledi. Doğada gözlenen boyutlardaki belirgin küçülmelere, şekil değişikliklerine ve ışık-gölge ilişkilerine uygun olarak mekansal nesnelerin bir düzlem veya herhangi bir yüzey üzerinde tasvir edilmesi bilimi. Başka bir deyişle bu, kendi mekansal yapısını ve uzaydaki konumunu aktaran hacimsel cisimleri tasvir etmenin bir yoludur.

Şekil 19.

Şekil 20.

Güzel sanatlarda gerçekçi hareket o dönemde gelişirken, Rönesans döneminde bilimin nasıl ortaya çıktığına dair bir bakış açısı. Mekansal formların ve mekanın görsel algısını bir düzlemde iletmek için oluşturulan sistem, mimarların ve sanatçıların karşılaştığı sorunu çözmeyi mümkün kıldı. Birçoğu, gerekli nesnelerin doğru perspektif görüntüsünün ana hatlarını çizdikleri perspektifi belirlemek için camı kullandı (Lapin, 2005).

İÇİNDE güzel Sanatlar ve fotoğrafçılıkta perspektif çeşitli şekillerde kullanılabilir ve görüntülerin anlatım gücünü artıran sanatsal araçlardan biri olarak kullanılır. Perspektif görüntüsünün amacına bağlı olarak perspektif şunları içerir: aşağıdaki türler: ileri doğrusal perspektif, ters doğrusal perspektif (Morozov, 1985).

Doğrudan doğrusal perspektif. Sabit bir bakış açısı için tasarlanmış ve ufuk çizgisinde tek bir ufuk noktası varsayılarak tasarlanmış bir perspektif türü. Nesneler ön plandan uzaklaştıkça orantılı olarak küçülür. Doğrudan perspektif uzun zamandır dünyanın resim düzlemindeki tek gerçek yansıması olarak kabul edilmektedir. Doğrusal perspektifin bir düzlem üzerine kurulmuş bir görüntü olduğu dikkate alındığında, perspektif görüntülerin amacına bağlı olarak düzlem dikey, eğik ve yatay olarak konumlandırılabilmektedir (Şekil 21) (Kursky, Feldman, 1981).

Şekil 21.

"Huş Korusu".

Bu fotoğrafta mekan aktarımının bir örneği doğrusal perspektifle temsil edilmektedir. Huş korusu ve hendek içindeki patika, ön plandan uzaklaştıkça orantılı olarak küçülüyor ve daralıyor. Ağaçlar da uzaklaştıkça küçülür.

Ters doğrusal perspektif. Bizans ve Eski Rus resminde kullanılan, tasvir edilen nesnelerin izleyiciden uzaklaştıkça boyutlarının arttığını gösteren bir perspektif türü; resmin çeşitli ufukları, bakış açıları ve diğer özellikleri vardır. Ters perspektifte tasvir edildiğinde nesneler izleyiciden uzaklaştıkça genişler, sanki çizgilerin yakınsama merkezi ufukta değil de izleyicinin kendi içindeymiş gibi. Ters perspektif, izleyiciye yönelik ve onun sembolik imgeler dünyasıyla manevi bağlantısını öneren bütünsel bir sembolik alan oluşturur. Beri normal koşullar insan gözü görüntüyü ters perspektiften değil doğrudan algılar; ters perspektif olgusu birçok uzman tarafından incelenmiştir (Şekil 22) (Belov, 2012; Levkina, 2013).

Şekil 22.

Perspektifin fotoğrafçılıkta rolü nedir? Doğrusal perspektif bir fotoğrafçının çalışmalarında büyük rol oynar. Fotoğrafta gerçeğe yakın bir fotoğrafta doğrusal bir perspektif elde etmek için odak uzaklığı yaklaşık olarak çerçevenin köşegenine eşit olan mercekler kullanılır. Doğrusal perspektifin etkisini arttırmak için ön planı daha dışbükey hale getiren geniş açılı mercekler, yumuşatmak için ise uzak ve yakın nesnelerin boyut farkını eşitleyen uzun odaklı mercekler kullanılır (Lapin. 2005). ).

Fotoğrafın iki boyutlu doğasına rağmen, fotoğraftaki hacim duygusu algıyı etkiler, bu nedenle fotoğrafın üç boyutlu algısını elde edebileceğiniz perspektifle çalışma yöntemlerini kullanmak önemlidir (Lapin, 2005). .

Doğrusal perspektifin fotoğrafçılıkta kendini göstermesinin birkaç yolu vardır. Hepsi fotoğrafın kompozisyonuna ve insan görüşünün özelliklerine dayanmaktadır (Lapin, 2005; Morozov, 1985).

Doğrusal perspektifin bariz yasalarından biri, nesnelerin biz onlardan uzaklaştıkça daha küçük görünmesidir. Bu yasanın nasıl uygulanacağını öğrenmek için nesnelerin tekrarı olan bir çekim yeri bulmak yeterlidir, örneğin: bir sıra ağaç, sütunlar veya uzun bir duvar, parklardaki basamaklar ve merdiven korkulukları (Şekil 23) (Belov. 2012).

Şekil 23.

Doğrusal perspektifin fotoğrafta kendini göstermesi için bu sıradaki ilk nesneye çok yaklaşıp fotoğrafta çok büyük görünmesi gerekiyor. Bu etki elde edilirse, tekrar eden satırda kalan nesneler önemli ölçüde daha küçük görünecek ve bu da derinlik izlenimini artıracaktır (Şekil 24) (Lapin, 2005; Belov, 2012).

Şekil 24.

Perspektifi ifade etmenin bir başka yöntemi de görüntüdeki hacmi iletmek için fotoğrafın derinliklerine giden çizgiler kullanmaktır. İki yakınsak çizgi oluşturan nesneler bu yöntem için iyi çalışır (örneğin, Demiryolu). Bu etkiyi geliştirmek için düşük bir çekim noktası seçmeniz gerekir. Taramanın en alt noktasında çizgiler çok geniş görünecek ve keskin bir şekilde görüntünün ufuk noktasına doğru yönelecektir (Şekil 25) (Harman, 2011; Wade, 1989).

Pirinç. 25.

Fotoğrafınızda doğrusal perspektifi göstermenin en iyi yollarından biri, farklı boyutlardaki nesneleri dahil etmektir. Örneğin belirli bir çekim noktasından bakıldığında fotoğraftaki kişiler çok küçük görünecek ve eğer bir dağın eteğinde duruyorlarsa izleyici bu dağın ne kadar büyük olduğunu anlayacaktır. Göreli boyutları dağlara veya diğer geniş manzaralara göre çok farklı olan ağaçlar, hayvanlar, arabalar veya diğer nesneler aynı şekilde kullanılabilir (Kursky ve Feldman, 1981, 1991).

Bu tekniklerin tamamı fotoğrafçının gözlem gücünün sonucudur. İÇİNDE gerçek hayat Uzaklığa bağlı olarak doğrusal perspektif algılanır. Bir fotoğrafta nesnelerden birinin kameraya yakın, diğerinin ise uzak olduğunu vurgulayarak farklı planlar kullanırsanız resim üç boyutlu görünecektir (Belov. 2012; Lapin, 2005).

Yukarıdakilere dayanarak şu sonuca varabiliriz: Çekim yaparken planların kompozisyonunu, çerçevede bu boyutlarda gözle görülür bir azalma görünecek şekilde seçmek gerekir. Uzayın derinliğinin etkileyiciliğini vurgulamanın iyi bir yolu, geniş açılı mercek, çerçevedeki nesnelerin küçülme derecesi keskin bir şekilde artarken: arka plandaki ağacın boyutu zaten keskin bir şekilde küçültülmüş ve üçüncü planda nesne tamamen bir noktaya dönüşüyor. Bu olgu, mekanın uzaklığı ve derinliği yanılsamasını yaratır (Morozov, 1985; Belov. 2012; Dyko, 1977).

Bir manzara fotoğrafı çekerken bir sonraki teknik, renk tonlu perspektif ve renk olanaklarını kullanmaktır (Wade, 1989).

Her birimiz, nesnelerin şekillerindeki azalmayla birlikte (nesne ile gözlemci arasındaki mesafenin artmasıyla birlikte) renk kontrastlarının da azaldığı doğal fenomene aşinayız. Modern fotoğraf sanatı öyle bir mükemmelliğe ulaştı ki, en iyi, derin düşünceli, görsel çözümlerde özgün eserleri, gerçek sanatın özelliklerini kazandı. Bu eserler, fotoğraf sanatçılarının özgün el yazılarından, eserlerinin üslubundan, sanatsal yaratıcılık alanındaki arayışlardan ve böylesine önemli bir kategoriden bahsetmek için sebep veriyor. görsel Sanatlar, renk gibi (Buimistru, 2010; Ivanov-Alliluyev, 1971).

"Renk" kavramı fotoğrafa resimden geldi; burada renk, resmin tüm renk unsurları arasındaki ilişkinin doğasını, renklerin tutarlılığını ve tonlarını ifade eder. Rengin dış ifadesi, renk kombinasyonlarının pitoreskliği ve renkliliğidir. Ancak renk kararlarının anlamı, içeriği ifade etmede kullanımlarındadır. ana fikir yazar. Bu nedenle, resim düzleminde belirli renk ve tonların ortaya çıkışı her zaman motive edici ve amaca uygundur ve gerçekliğin gerçekçi, anlamlı, duygusal açıdan etkileyici bir tasviri için kullanılırlar. tam olarak

Bu alan rengin gerçek güzelliğini, sanatsal değerini doğurur (Buimistru, 2010).

Bir fotoğrafçı, renkli fotoğrafların rengi üzerinde bir ressamdan tamamen farklı bir şekilde çalışır. Ancak önlerindeki amaç aynıdır ve çeşitli yollarla elde edilen nihai sonucun pek çok ortak noktası vardır. Hem fotoğrafçı hem de sanatçı, hayatın gerçeğini aktarmaya, konuyu resimsel ve anlamlı bir şekilde ortaya çıkarmaya çalışıyor. Her ikisi de renklerle çalışarak renk uyumunu, renk tonlarının zenginliğini ve tutarlılığını sağlar (Ivanov-Alliluyev, 1971).

Fotoğraf konusunun renkleri ve tonları, gelecekteki fotoğraf görüntüsünün renklendirilmesinin temelinin, seçilen fotoğraf konusunun renkleri ve tonları olduğunu ileri sürmek için özel bir kanıt gerektirmez (Wright, 2010; Wade, 1989).

Ufuktaki dağ sırası (Şek. 26, 27, 28) gökyüzüne mavimsi bir renk geçişi gibi görünüyor, aksine gözlemcinin yanında parlak renkler ve özellikle açık ve koyu kontrastları hakim. Renk kaldırıldığında "küçülüyor" gibi görünüyor ve resmin ana havasına benzer bir şey veriyor. Örneğin, bir ağaca bakın: bireysel ayrıntılı formlar giderek daha belirgin hale gelse de, rengi nedeniyle tacı neredeyse tekdüze görünüyor. Gözlerimizi biraz kısarsak bu detaylı şekiller daha net hale geliyor ve daha güçlü ışık-karanlık kontrastları ortaya çıkıyor. Gözümüz büyük resme odaklanır. Aynı şey, uzayın derinliği arttıkça uzaktaki açık mavi rengin tüm renk değerlerine karıştığı (rengin mavi ve beyazla kırılması) bir manzarayı incelerken de meydana gelir (Buimistru, 2010; Wade, 1989). ).

Şekil 26.

Şekil 27.

Pirinç. 28.

Renk ve geometrik yapıların yardımıyla tüm mekanın resim düzleminde tasvir edilebileceği ortaya çıktı (Belov, 2012).

Yukarıda da bahsettiğimiz gibi perspektif kısmında mesafe arttıkça nesneler küçülür. Nesnelerin aynı zamanda renk parlaklığını da kaybettiği ortaya çıktı; Görünüşe göre uzaktaki nesneler mavi sisle örtülüyor. İzleyici yaklaştıkça renk kontrastları güçlenir, açık ve koyu kontrastlar daha net tanımlanır, ek kontrastlar sıcak ve soğuk tonların kontrastlarını "bastırır". Bundan kırmızı, turuncu, sarı (sıcak renkler) renklerin optik yaklaşımlar olarak hareket ettiği sonucu çıkar. Soğuk yeşiller, nötrler olarak maviler ve mesafelendiriciler olarak maviler. Bu nedenle mavi gökyüzü veya gri mesafeler her zaman uzaktaki nesneler olarak algılanır ve yeşillikler sürekli olarak işgal edilir; orta atış, ama neyi ön plana koyacağınız - bunun hakkında düşünmeniz gerekir. Bunlar kırmızı ve kahverengi taşlar olabilir, kırmızı

veya söz konusu alanda sarı çiçekler veya diğer nesneler renk uyumu. Ön planın sıcak, ortanın nötr ve arka planın soğuk olduğu ortaya çıkıyor (Buimistru. 2010, Belov. 2012).

Ancak burada en belirleyici şey, karşılık gelen görüntü durumunun gözlemlenmesidir; parlaklıktaki tekdüze bir değişiklik nedeniyle, örneğin maviden beyaza geçiş, çerçevede ek bir uzamsal derinlik izlenimi ortaya çıkar. Mesafe (Belov, 2012; Morozov, 1985).

Yukarıdan, ton perspektifinin bir fotoğrafta alanı aktarmanın önemli araçlarından biri olduğu ve aynı zamanda bir fotoğraf çalışmasının genel renklendirmesinin önemli bir bileşeni olduğu sonucuna varabiliriz. Bu sayede manzaralar dümdüz olmaz, aksine daha hacimli görünür. Uzayın derinliği ortaya çıkar (Dyko, 1977; Buimistru, 2010).

İyi aydınlatma da çerçevenin güzelliği açısından büyük önem taşıyor. Bu durumda poz ölçümü sorunu ortaya çıkar, bu nedenle tedbirli olmak gerekir

Muazzam bir parlaklık genişliğine sahip karmaşık manzaraların düzeltilerek çekilmesi gerekir: önce doğru pozlamayla, ardından her ihtimale karşı iki aşırı pozlama ve iki düşük pozlamayla. Nedense amatör fotoğrafçılar öğlen ışığında 11.00'den 15.00'e kadar manzara çekmeyi seviyorlar. Güneş neredeyse fotoğrafçının başının üzerinde dikey olarak bulunur ve manzara için en elverişsiz aydınlatmayı sağlar. Profesyoneller yalnızca sabah ışığında çekim yapar - sabah 7'den 11'e veya akşam saat 15'ten 19'a kadar (bu saatlerde güneş güzel bir görüntü verir) yan aydınlatma) (Harman, 2011; Morozov, 1985).

Batan güneşin yaklaşan ışınları etkileyici olduğunda ortaya çıkan arka aydınlatma etkileyicidir. Diyafram deklanşör hızını doğru şekilde ayarlamak için poz ölçer bir nesneyle kaplanır - güneş ışını dışındaki alanın geri kalanını yakalamasına izin verin (Morozov, 1985; Wright, 2010; Wade, 1989).

Sonuç: Bir fotoğrafçının ışığı yetkin bir şekilde kullanması, en sıradan manzarayı çekerek bir başyapıt yaratabilir, ancak beceriksiz kullanım en güzel manzaraları mahvedebilir. Işık, izleyiciye kolayca aktarılan doğanın ruh halini ifade eder. Parlak güneş ışığı neşeli bir ruh hali verir, bulutlu hava küçük duyguları ve düşünceliliği uyandırır ve sisteki dağınık ışık hoş bir gizem duygusu uyandırır (Belov, 2012).

Yukarıdakilerin hepsine ek olarak, diğer fotoğraf türlerinde olduğu gibi manzarada da çerçevenin kompozisyonu büyük önem taşımaktadır. Oluşturmak için uyumlu kompozisyon Bir çerçeveyi çekerken, çerçevede yeni nesneler yakalayarak beklenmedik bir etki elde etmek için her şeyden önce çekim noktasını başarılı bir şekilde seçmeniz veya kamerayı hafifçe yana hareket ettirmeniz gerekir. Kompozisyonun temel kuralları, çerçeve boyunca soldan sağa hareket eden ve kenarın önünde duran izleyicinin bakışlarının özelliklerine dayanır. Ana kurallar çerçevedeki ana şeyi vurgulamaktır. Fotoğraf çekmeden önce manzarayı sakin bir şekilde incelemeniz ve fotoğrafçının dikkatinin odaklandığı ana nesneyi seçmeniz gerekir. Fotoğrafçı, doğa yaşamındaki hangi görüntü ve olguları izleyiciye aktarması gerektiğini belirler (Levkina, 2013; Dyko, 1977).

Altın oran kuralı. Bu kural aynı zamanda inşaatçılar tarafından da kullanıldı. Mısır piramitleri. Buna dayanıyor. Bir resim kompozisyonundaki belirli noktaların otomatik olarak izleyicinin dikkatini çekmesidir. Fotoğraf formatı ne olursa olsun. Bu tür dört nokta vardır ve bunlar çerçevenin karşılık gelen kenarlarından 3/8 ve 5/8 uzaklıkta bulunur (Şekil 29, 30) (Belov, 2012; Kursky, Feldman, 1981).

Pirinç. 29.

Pirinç. otuz.

Altın oran kuralına göre çizgileri ve nesneleri çerçevenin ortasına yerleştirmemeniz gerekiyor. Ve biraz yana. Altın oran kuralını uygularken ufuk çizgisini unutmamanız gerekir. Yatay üçte birlik çizgilerden birinde olmalıdır: üst veya alt. Bu kurala “üçler kuralı” adı verilmektedir (Şekil 31) (Belov, 2012; Kursky, Feldman, 1981).

Pirinç. 31.

Bu fotoğraftaki ufuk çizgisi yatay üçte birlerin üst çizgisindedir. Ufuk çizgisi fotoğrafı iki eşit parçaya bölmemelidir. Çerçeveyi, gökyüzü çerçevenin üçte birini veya üçte ikisini kaplayacak şekilde oluşturmak gerekir. Gökyüzü ve manzara oranlarının ideal oranı 1:2'dir ancak istisnaları da unutmamak gerekir (Lapin, 2005; Belov. 2012).

Köşegen kuralı. Bu kural, görüntünün önemli öğelerinin çerçevenin köşegenleri boyunca yerleştirilmesi gerektiğini belirtir. İzleyicinin bakışı çerçevenin kenarlarına paralel değil çapraz olarak hareket eder. Sonuç olarak, sahnenin ayrı ayrı çizgilerinin köşegenler boyunca düzenlenmesi uyumlu bir şekilde algılanır ve çerçevenin içeriklerini birleştirmenize olanak tanır (Dyko, 1977; Levkina, 2013).

Köşegenler ya “artan” ya da “azalan”dır. Yükselen köşegenler sol alt köşeden sağ üst köşeye doğru yönlendirilir ve iyimser bir anlam, umut ve gelişme taşır (Şekil 32). Sol üst köşeden sağ alt köşeye doğru inen köşegenler karamsar bir ruh hali, bir tamamlanma hissi taşır (Şekil 33) (Dyko, 1977; Levkina, 2013; Belov, 2012).

Pirinç. 32.

"Hayatın başlangıcı"

Pirinç. 33.

“Dzhanhot. Denize giden yol"

Pirinç. 34.

Köşegenler dağ yamaçlarıyla temsil edilir.

Dağ manzaralarının temel özelliği, dağlarda gereğinden fazla doğal köşegen bulunmasıdır (Şekil 34) (Belov, 2012).

Etrafınıza baktığınızda etrafımızdaki dünyanın yatay-dikey eksenlerle dolu olduğunu fark edeceksiniz; dolayısıyla bu sıkıcı düzeni kırmak çok önemli ve gereklidir (Şekil 35) (Belov. 2012).

Pirinç. 35. Çerçeve köşegenleri kuralı. "Yükselen" diyagonal. "Aile"